They Said 167丨Julian Lage：精神核心是声音的诗意
在全新专辑《Scenes from Above》中，爵士吉他大师Julian Lage将上一张专辑《Speak to Me》的宏大编制意识，转化为更自由、更内敛的四重奏对话。本次采访中，Julian分享了如何通过“限时创作”捕捉灵感，并揭示了专辑用精简编制打破固有预设、追求“声音诗意”的精神核心。
问：对比上一张专辑《Speak to Me》，《Scenes from Above》更内敛、更注重集体表达，你在创作心态上有哪些变化？
答：这是个很好的问题。我觉得《Scenes from Above》可以说是《Speak to Me》的一种进化。《Speak to Me》侧重的是比三重奏或独奏更大的编制和配器，但其中很多歌曲都是经过深思熟虑的创作和编曲的。
而《Scenes from Above》更多是从即兴的角度出发，由我和John Medeski、Kenny Wollesen、Jorge Roeder一起完成。加入管风琴和钢琴之后，它的声音比三重奏更饱满，但其中的很多决定并没有那么预设。我觉得，这张专辑在编曲有一种自由感，在很多层面上也更精简。它们在创作时就留出了足够的空间，让我们可以在管弦乐编排和编曲层面上进行探索，这便是区别。
问：这次新专辑《Scenes from Above》以“平等协作的音乐对话”为核心，你最初是如何想到这一点的？专辑追求更开放的氛围，在整个创作过程中，有没有印象深刻的瞬间？
答：嗯，我觉得在整张专辑中都能听到这种特质。真的，我能听出一种平衡的倾听和互动方式。没有哪一个独奏者是最突出的，所有曲目都有一种开放性。
比如《Ocalla》就是个很好的例子，它保持着一种稳定向前推进的动力，但其中包含了许多临场的决定和开放性。甚至John Medeski的solo很短，我自己的 solo更短。开放并不总是意味着更长，它也可以意味着更精炼、更直指核心，或者更有延展性。在《Red Elm》，你能听到一些更有延展性的东西。但总的来说，我坚持这个观点：在这张专辑，每个人的声部和角色之间绝对有更多的平衡。
问：创作时用20分钟计时器写曲、录曲再立即推进下一首，这种高强度冲刺模式，有没有让你捕捉到平时刻意创作时得不到的灵感？
答：这是一个很好的问题。我不太确定。但我认为它确实强迫——“强迫”可能有点重——它帮助我看到了出现了什么样的趋势。比如，如果用这些短计时器写了一连串的3、4、5、6首歌，这些歌之间往往会有一些共通点。也许我会说：“噢，这五首歌里有四首都在呼应同一种情感世界。”那可能说明，我真正需要写的是属于那个情绪世界的东西。或者，“哇，这五六首歌很酷，但它们都没有我最初想象中的那种戏剧性。”那也没关系，当我用这种方式写歌时，我并没有积极去追求我所创造的那种特质。这样我就可以做出调整，试着学习如何走向新的方向。它更像是一种方式，让我看到当下所有可能性的一个大致陈列。
问：从100首作品筛选到50首，再和制作人Joe Henry敲定最终9首，筛选时除了贴合乐队特质，有没有某个你一直坚守的核心标准？
答：其实没有。我认为并不是很科学。更多只是看：听起来是否舒服？演奏起来是否舒服？把它带给它乐队会不会让人兴奋？
有很多歌一开始都让我有这种感觉，我也带给了乐队。但当我们演奏时，我又会觉得：“不，这首歌可能还没到合适的时候。”所以，连我原本以为自己有的那种检验标准，也经常会被挑战。有时候它有效，但并没有什么太科学的标准。更像是我们凭直觉一路摸索，跟着感觉走。
问：创作期间你深入研究了民俗音乐，这些灵感是如何自然融入爵士曲目中的？
答：这个问题很好。我不确定自己有没有一个特别好的答案。因为在很多层面上，我认为爵士本身就是一种民俗传统。当然，其中有美国的民俗传统，也有吉他演奏上的民俗传统，这些都存在于我参与的音乐之中。
我并不会把它们看得特别分离。它可能更像是一种诠释方式，而不是一种曲风的转变。关键是让音乐感觉扎实、稳定，有清晰的精神方向，同时尽量减少那些会分散音乐个性的杂质或干扰。这也是我在自己最喜欢的民俗音乐里感受到的一些特质。但这条线是模糊的，我觉得如果我真去尝试进行曲风转变，我也做不到，因为我没有接受过那种训练，去特意弹一首乡村歌曲或类似的歌。我认为到头来，它呈现出来的声音就是它本来的样子，这天然地结合了许多元素——不仅来自我的成长经历、我们与声音和音乐的关系，还来自整个乐团。也许我能说的只是：我会尽量不在意识层面把它解释得太清楚。
问：《Opal》被称为整张专辑的“基因”。如果用一句话向没听过的人形容它的精神内核，你会怎么说？
答：我会说，这张唱片的精神核心是一种声音的诗意。换句话说，你拥有一个乐团，而这个编制本身会自带很多期待：管风琴和吉他、鼓、贝斯在一起会做什么？但你放下了很多这些预设，转而关注：这里面的诗意是什么？那个简短的信息是什么？用最凝练、却仍然有力量的方式去表达某种东西，该是什么样子？
这已经不止一句话了，但这就是我的答案。
问：《Night Shade》作为专辑中唯一的7分钟曲目，有种微妙的混乱感但又不失克制，能展开谈谈这首歌的创作背景吗？
答：当然。《Night Shade》其实是我很多年前为一张叫《Arc Light》的唱片写的。当时我和Scott Colley、Kenny Wollesen还在现场演奏过它。但后来出于某些原因，它没能收录进那张唱片。我不记得具体为什么了，也许是因为我们已经有足够的素材了，或者我们不需要再多一首慢歌，总之它被留下了。
它原本是一首相当直接的作品。这些年我也一直会想起它。我觉得对于现在这支乐队来说，它有一种“写得不满”的特质——意思是，它没有很多段落，也没有特别复杂的结构，没有很宏大的意图。正因为它没有这些东西，它反而很适合邀请乐手用他们想要的方式去演奏，让音乐发展成它自己想要的形状。所以这是一首拥有很多自由度的作品。而这支乐队，我认为，直接就融入到了这个探索中。
问：这张专辑非常内敛且克制，曲目多在4分钟左右，在接下来的现场演出中，你是否允许它们在现场发生“扩散”，产生不一样的面貌？
答：回答这些问题的时候，我们正在巡演中。毫无疑问，这些歌曲正在扩展，也在彼此之间融合。这里面有极大的自由度。看到它们在现场和唱片里呈现出如此不同的面貌，让人非常兴奋。
问：接下来的计划是什么？
答：我一直在创作一组新歌，既有给这个四重奏的，也有一些一把吉他的solo项目、一些双人合奏和三重奏的。试着继续前进吧，一切顺利的话，很快会有更多新东西。谢谢这些精彩的问题。保重。
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