#每日一教授#
古书收获
《宝岛（宝島）》1986年5月号

照片里的教授可谓华丽得不得了😁

服装由 Tokio Kumagai（熊谷登喜夫）设计。

本期刊载了一篇关于《未来派野郎》的长篇访谈。不过与夸张华丽的造型形成对比的是，内容相当严肃，充分展现了坂本龙一惊人的知识广度与思考深度。

以下为部分重点内容整理。

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关于《未来派野郎》

这是坂本龙一明确从 YMO 毕业后，迈向下一阶段的专辑。

他说，在《音楽図鑑》之前，自己的创作始终以 YMO 的存在为前提。

《音楽図鑑》发行后的两年间，前一年基本上是在为 YMO 时代做总结与收尾。

《Field Work》《TV War》《Esperanto》这些作品逐渐汇聚，最终形成《未来派野郎》。

其中最重要的是《Esperanto》。

因为这张作品让他彻底实践了“采样（Sampling）作曲”的理念。

而《TV War》则是在探索80年代未来主义的主题——速度、机械、科技与战争。

这些作品共同构成了“后YMO时代的坂本龙一”第一阶段计划的基础。

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后YMO时代是明确宣言还是摸索前进？

比较接近后者。

他说自己其实已经在思考未来五年、十年的方向，但现在还不能说出来。

不过他确信：

未来十年内，无论是软件还是音乐流通方式，都将发生巨大的变革。

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关于机械与肉体

宇航员既要理解电子技术和计算机，也必须锻炼身体。

YMO时代对于科技的想象，和 Kraftwerk 很像，是一种《大都会》式的大型机械世界观。

但如今终于出现了能够表现生命体细腻变化的机器。

因此，“肉体”与“机械”的二元对立已经无法成立。

例如将演奏时的肌肉运动数值化，再进行编辑。

未来并非对立，而是共生。

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关于《Broadway Boogie Woogie》

灵感来自 Piet Mondrian 的绘画。

他尝试将采样声音组合起来，创造一种仿佛走在百老汇街头时，耳边不断飘过各种谈话声的听觉体验。

他称之为：

“新的环境音乐（New Environmental Music）”。

其中重要的灵感来源是 John Cage 的演奏。

借由高度发展的采样技术，可以将凯奇原本长达数个乐章的结构，压缩到一秒甚至更短的时间单位内高速切换。

让人体验现实生活中绝不可能发生的感官经验。

一种既超现实（Surreal）又超真实（Hyper-real）的状态。

他进一步联想到 Philip K. Dick 式的世界：

如果只需按下一个开关，声音环境就能瞬间改变，

那么所谓“现实”本身会不会也能被切换？

时间、空间乃至现实认知本身，都可能重新被定义。

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关于《G.T. II》

GT 即 Grand Touring（豪华长途旅行车）。

“大旅行”是未来主义的重要概念。

他所向往的是一种类似 Jules Verne 小说中的旅行：

前往月球、深入海底两万里。

他认为这首曲子最适合在汽车中播放。

其象征意象则是：

流线型交通工具与子弹列车。

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关于《Ballet Mécanique》

标题来自 Oskar Schlemmer 的概念。

但坂本认为，更早的未来派运动就已经提出：

“舞台本身就是一台机器”。

因此他的巡演并不强调真人表演。

而是让舞台本身成为光与声音的奇观。

如同过去巡回演出的流动艺人一样，

带着演说、声音与光影构成的壮观景象四处旅行。

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关于黑人音乐

他说：

比起摇滚，我其实更接近黑人音乐。

在他的思维图谱里，

冲绳、巴厘岛等亚洲民族音乐，

黑人音乐，

第三世界音乐，

都排在前面。

白人音乐反而是最后才出现的。

其中最令他着迷的是黑人音乐中的“肌肉感”。

他还引用未来派创始人 Filippo Tommaso Marinetti 的一句话：

日本人的计算与速度，
加上黑人的肌肉。

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关于演唱会

舞台表演将完全强调“肉体”。

为此甚至进行了训练与戒酒（笑）。

他说自己几乎想彻底抛弃 YMO 时期的方法论。

尽可能不使用录音带与音序器（Sequencer）。

全部采用人工即时控制。

录音室可以依赖技术，

但舞台必须由人类自身来掌控。

“野郎”这个词里包含的，其实正是最初所说的“摇滚精神”。

虽然做成传统摇滚并不困难，

但摇滚终究只会听起来像摇滚。

而他想追求的是别的东西。

因此“野郎”真正体现的地方，

是在舞台上的身体控制与现场能量。

他甚至设想自己穿着战斗服，

其他成员则穿着类似美式足球装备的服装登场。

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关于贝斯手小原礼

坂本原本想组建一支白人、黑人、黄种人共同组成的世界主义（Cosmopolitan）乐队。

因此一度想寻找华人贝斯手。

但最终没有找到合适人选。

从音乐实力考虑，

还是选择了 Rei Ohara（小原礼）。

不过他也不希望乐队听起来像传统爵士即兴聚会。

那种感觉会让他想到过去在 Pit Inn 的演出。

“光看着都觉得累（笑）。”

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关于“完美重现录音室版本”

坂本认为毫无意义。

只要成员够优秀、音乐够好，

就应该能靠实力支撑两三个小时的现场演出。

那是一种音乐家的灵魂，

也是一种“摇滚野郎”的精神。

如果依赖录音带与音序器，

现场就必须迁就机器。

即使聚集再优秀的乐手，

也无法突破既定框架。

因此他希望把身体状态训练到最佳，

无论现场演出发展到什么程度、

即使不断升级失控，

也能够承受并驾驭。

http://t.cn/AXattcuo