《 像不像无所谓，有没有形才重要 》

好几年前有一次看画展的时候，我曾对一位水彩画的很不错，也小有名气的参展年轻画家( 是我画室早期学生 )提出建议 : 如果你想要画得更好，最好还是不要用投影机描稿。他似乎有点惊讶我怎麽会看出来 ( 因为他的水彩人物画并不是很写实，而是很大写意的那种 )，困惑地问我『可是老师我不明白，一样是看照片，用徒手打搞和用投影机辅助，有什麽不一样？』

这个问题，在我还是学生时期的时候，也不明白。

直到我当了素描老师许多年以后，我才慢慢懂了。这几张素描，大多是十几二十年前在画室的教学示范，2014年我把它们贴在脸书分享：『我发现我的人像素描，根本画不像。但奇怪的是，我更喜欢我画完的样子』。

是我画的不够正确吗？不，我对人像素描非常要求，比例结构肯定要到位。只是在画的过程中，好像有某种意识在引导着我，让他更美、更有形、更有魅力。终于我恍然大悟，原来素描涂涂改改的过程，不只是为了正确，更是要发挥想像力让它接近你心目中的完美。就算是画凋像、画照片，也要画出富有创造力的素描。我心裡很清楚，尽全力去满足这个想得到更好更美更独特的慾望，才能成为一位出色的画家。

想想看，如果这几张素描，是在照片上打格子或是用投影机描出"正确"的轮廓后，再细心画上精准的明暗，会得到什麽结果？是的，你可以画的和照片一样正确的素描（网路上有太多这种"照片素描写实大师"），但我说真心话：这只是在浪费时间而已。因为你不可能藉由拷贝的方式与动作而能激发出自己的企图，更不可能练出属于你自己的独特品味。

当然，我并没有要每个人都同意我的看法，毕竟艺术各说各话，各有市场，没有要质疑谁或挑战谁。只是因为今天看到脸书七年前的动态回顾，出现这几张素描对照图，忍不住又想对现在年轻的美术学生唸一唸：没有不劳而获的艺术，修练要趁早。

最后附上一张1969年刚出道的哆啦a梦，和连载了几期以后逐渐成形的哆啦a梦。我相信是作者在后来一篇篇的连载中，不知不觉逐步修正调整了比例与造型，让这隻机器猫更有个性，更有型。如果当年刚推出的哆啦a梦反应不佳，只刊一集就结束，就不会有今天这个讨人喜欢的典型啦！（虽然左边那个刚出厂的呆笨胖造型也很独特就是）

#若说素描是真善美的练习其实不算太肉麻

**********************************（ 以下补充继续碎碎唸 [鼓掌] ）

哈~原来用小叮噹的例子就可以让更多人理解我的想法，应该早些年就该用啦 ! ( 其实上过我的课的学员应该都听过我举过这个例子)

另外我要再说明 ( 我相信一定还是有人会误解 ) : 不是不能用打格子、灯箱甚至用投影机放大，而是---不要直接用"题材照片"去打格子、灯箱照描、投影机放大。如果你已经设计好一张草图，你当然可以用任何方式去放大在你的画纸上 ( 我喜欢用打格子把草图放大到水彩纸 ) 。知道它们差别在哪裡吗 ?

想想看，题材照片和素描草图，哪一个确确实实经过你的美感需求的反刍 ?

或许是有人以为，风景画和人物画不同，风景因为构图的需要，直接描照片的构图不可能完美。但是肖像画只是一个大头，没啥构图变更的需求，所以拍照后再打格子放大或投影描稿，应该没问题。是这样子吗？

没错，如果你是喜欢画人像的业馀画家，拍照后直接拷贝照片去画比较有成就感，至少不会画成妖怪。但是，我这裡强调的是"绘画艺术"，如果你想成为杰出的人像画家，就必须思考如何把你的美学品味融入到你的模特。头形骨架、鼻子、额宽、双眼间距、唇形厚薄.....只有几毫釐的差距，就可能会变换成不同的气质。这些差距的调整，并不是用打格子或比例尺去客观的量就能见效，而是靠你多年徒手练习的直觉与美感，才得以表现。

事实上，我也反对在人物（或凋像）写生的时候使用九宫格取景框。这种想要利用格子窗就可以把人像轮廓拷贝到画纸上的天真想法，对素描高手而言，只是绊手绊脚的鸡肋道具。

我说实话，对我而言，现场人物写生素描比起看照片画素描要轻鬆多了。要把一张死板板的照片画的活灵活现，没有想像中的容易啊....[挖鼻]